LA MÚSICA EN LA EDAD MEDIA (I)

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LA MÚSICA EN LA EDAD MEDIA

Concepción general:

La Edad Media (del V al XV) fue un periodo en el que se dio un gran desarrollo. En la primera hubo un gran vacío musical debido a que las regiones estaban separadas, cada una tenía sus leyes y las guerras eran constantes. Además el Imperio romano había provocado aislamiento entre ellas. La única estabilidad venía por parte de la Iglesia donde si que se dio cultura musical. El papa aprovechó esta inestabilidad y aplicó su ideal de evangelización y expansión. La música fue tomada para cohesionar los pueblos, fue el único punto en común entre estos. Su función era servir a las celebraciones litúrgicas, alabar a Dios.

Música religiosa:

El canto gregoriano.- finales del VI, su creador es Gregorio el Magno (590-604) lo crea transformando el canto conocido anteriormente: recogió las melodías cristianas más importantes, compuso unas nuevas y estableció como debían ejecutarse. Este canto inspiró a la música europea posterior. Este canto es a una sola voz, todos cantan la misma melodía sin instrumentos acompañando: Homofonía, se cantaba en latín y era una música exclusiva de hombres y con tipo de voz barítono.

Guido de Arezzo: Nació en Arezzo (Toscana) el año 991 o 992. Pasó sus primeros años de estudio en la abadía de Pomposa, en la costa adriática, cerca de Ferrara. Ingresó como maestro en la escuela catedralicia de Arezzo, donde sobresalió en la enseñanza del arte vocal y escribió su tratado principal, el Micrologus de disciplina artis musicae. Durante su estancia se percató de la dificultad de los cantantes para recordar los cantos gregorianos e inventó un método para enseñar a los cantantes a aprender los cantos en poco tiempo. Este método pronto se hizo famoso en todo el norte de Italia. Sin embargo, la hostilidad de los monjes del monasterio le obligaron a marcharse a Arezzo, ciudad que no contaba con abadía, pero que tenía un numeroso grupo de cantantes con falta de aprendizaje.

Falleció en Avellano después de 1050.

En su estancia en Arezzo, desarrolló nuevas técnicas de enseñanza, incluyendo el tetragrama (pauta musical de cuatro líneas), precursor del pentagrama, y la escala diatónica. Perfeccionó la escritura musical con la implementación definitiva de líneas horizontales que fijaron alturas de sonido, cercano a nuestro sistema actual y acabando con la notación neumática. Finalmente, después de ensayar varios sistemas de líneas horizontales se impuso el pentagrama griego: cinco líneas.

Guido de Arezzo es también el responsable de los nombres de las notas musicales. En la Edad Media, las notas se denominaban por medio de las primeras letras del alfabeto: A, B, C, D, E, F, G (comenzando por la actual nota la). En aquella época solía cantarse un himno a san Juan el Bautista —conocido como Ut queant laxis— atribuido a Pablo el Diácono, que tenía la particularidad de que cada frase musical empezaba con una nota superior a la que antecedía. Guido tuvo la idea de emplear la primera sílaba de cada frase para identificar las notas que con ellas se entonaban. El texto en latín de este himno rezaba así:

Nota	Texto original en latín	Traducción
Ut - Do Re Mi Fa Sol La Si	UT queant laxis REsonare fibris MIra gestorum FAmuli tuorum SOLve polluti LAbii reatum Sancte Ioannes.	Para que puedan exaltar a pleno pulmón las maravillas estos siervos tuyos perdona la falta de nuestros labios impuros San Juan.

Música profana:

Para las gentes que no viven en los monasterios. Música profana con ritmos de baile y canciones con letras amatorias, que se manifiestan en los castillos feudales.

Trovadores y Juglares:

Trovadores y troveros.-(XI-XIII) Eran una especie de poetas y músicos. Hombres de alta cultura instruidos en escuelas monásticas o episcopales. Los trovadores usaban el lenguaje provenzal y vivían al sur de Francia, destaca Guillermo de Poitiers. Los troveros usaban el francés y vivían en el norte y centro, destaca Ricardo Corazón de León.

El ritmo de estas canciones depende de los versos de la poesía y el idioma de cada región. Cultivaron especialmente la lírica y su tema principal es el elogio a la mujer, pero también el heroísmo, la grandeza de los príncipes y el orgullo nacional. La forma de interpretación era cantando. Se da el acompañamiento con instrumentos de cuerda, generalmente la viola y el arpa. A los trovadores en Alemania se les denominó minnesinger y a los troveros meistersinger.

Juglares.- se dan en todos los países y épocas. Se denomina así a los artistas públicos que entre sus huestes contaban con alegre mescolanza a los actores, domadores de osos, adivinos, acróbatas…Estos fueron acusados varias veces por la iglesia, sin embargo los juglares músicos eran bien recibidos en los castillos y monasterios.

Instrumentos:

En la edad Media son importantes los siguientes instrumentos:

Destacan:

De cuerda.- arpa (instrumento celta por excelencia), salterio ( tipo de cítara tocado por punteo), vihuela (con cinco cuerdas, era el más usado por los juglares), rabel (pequeño y tocado con un arco y su número máximo de cuerdas es cinco), viola oval, organistrum o zanfoña (instrumento de tres cuerdas tocado por una rueda giratoria, movida por una manivela).

De percusión.- tambor (una membrana y una caja), címbalos (platillos de metal que se percuten).Y el más importante el órgano (era el único permitido en las iglesias).

De viento.- gaita, cuerno, chirimía…

Polifonía: Surge en el siglo IX. Las primeras pertenecen al Ars Antigua, se dan con la aparición del organum que da el primer intento de polifonía. Este se convierte así en el elemento que hace cantar dos voces de forma simultánea (una voz principal y una voz en un intervalo de 4ª o 5ª). Pero esto no servía para que la polifonía se desarrollase por lo que se tuvieron que crear otras formas nuevas.

-Motetes: composición vocal, por lo general sobre texto sagrado, destinado a interpretarse en los oficios religiosos. Se originó a principios del siglo XIII. Destacaron por el uso de más de un texto de forma simultánea, a veces en idiomas diferentes, así como la utilización de un segmento de canto gregoriano en la parte vocal más grave.

-Misas: la misa es una composición que hasta el siglo X aproximadamente era monódica (canto llano o gregoriano) y con posterioridad evolucionó hacia un estilo polifónico. La integran varias piezas que constituyen una unidad. Los textos son los propios de la ceremonia religiosa, y la música se compone para ser interpretada durante su celebración.

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ELEMENTOS DE LA MUSICA

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ELEMENTOS DE LA MUSICA

Cuando un compositor crea una pieza musical, trabaja con varios elementos importantes que son básicos para la música. Estos elementos son : la melodía, el ritmo, la textura, la armonía y el timbre; otros elementos serían la forma, la velocidad o el tempo de la música, la dinámica o intensidad, etc. La manera de presentar y combinar estos elementos básicos en la música, es lo que determina el estilo de la música, que ha sido diferente dependiendo de las épocas históricas, de las zonas geográficas, de  los compositores, etc.

 La melodía

Para muchos oyentes, la melodía es el ingrediente más importante de una obra musical. Básicamente una melodía es una sucesión de sonidos de diferentes alturas (graves, agudos), organizados de tal manera que tengan un sentido musical para el oyente.

La melodía es inseparable del ritmo, puede existir un ritmo sin melodía pero no al revés. Por lo que podremos decir que una melodía es una sucesión de sonidos de distinta altura y duración, animados por un ritmo.

Una  melodía está compuesta por unidades que se conocen con el nombre de frases o periodos, y a su vez, las frases están compuestas por unidades más pequeñas llamadas motivos, o  células melódicas,  que son las unidades más pequeñas con sentido musical,  que sirve de núcleo para la formación de un tema o un desarrollo posterior.

La reacción que una melodía produce en cada persona es diferente, así lo que para uno tiene un sentido musical, para otro es un grupo de sonidos sin sentido alguno. Una melodía que una persona percibe como de gran poder expresivo, puede no conmover a otra en absoluto.

El ritmo

Podemos definir el ritmo como las diversas maneras en las que un compositor agrupa los sonidos y los silencios, atendiendo principalmente a su duración ( largos y cortos) y a los acentos.

El elemento más básico del ritmo es el pulso, el pulso organiza el tiempo en partes iguales con la misma duración y con la misma acentuación, (uno, dos, tres, cuatro, ....).

Al igual que los ritmos en la naturaleza, como el movimiento de los planetas, la sucesión de las estaciones o el pulso del corazón, el ritmo musical suele organizarse en patrones de recurrencia regular. 

Dichos patrones controlan el movimiento de la música y ayudan al oído humano a comprender su estructura. La unidad rítmica básica por excelencia es el pulso, un patrón espaciado regularmente que se parece al ritmo de un reloj. En la mayor parte de la música de baile y en la popular, el pulso aparece de forma explícita, a menudo por medio del batir de los tambores o mediante un patrón de acompañamiento regular. En músicas más complejas, el pulso sólo está implícito. El tempo de la música determina la velocidad del pulso.

La armonía

La armonía se produce cuando tres o más notas diferentes suenan a la vez, formando un acorde. Un acorde es un conjunto de tres o más sonidos que suenan al mismo tiempo.

El término armonía se utiliza de dos maneras diferentes,  para hacer referencia a las notas escogidas para formar un acorde, y en sentido más amplio para describir las sucesiones de los acordes a lo largo de una composición. La armonía regula la relación entre una melodía y su acompañamiento.

En una partitura, la melodía representa la organización de la música en sentido horizontal, mientras que la armonía la organiza de forma simultánea o vertical.

Cuando una persona canta con una guitarra, está tocando con ella, acordes que acompañan a la melodía que está interpretando. Esos acordes pueden ser interpretados también con otros instrumentos. 

La formación de acordes y la sucesión de los mismos en una obra, viene regulado por las leyes de la armonía, que han ido cambiando y evolucionando a lo largo de la historia de la música.

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EL RENACIMIENTO (III)

Se llama Renacimiento al movimiento cultural, científico y artístico que nació en Italia y se desarrolló, principalmente, durante los siglos XV y XVI. Significó la rebeldía contra el feudalismo y sentó las bases para la sociedad moderna.

Se le llamó Renacimiento porque se volvió a la cultura grecorromana, pero mantuvo influencias y formas del cristianismo medieval.

Este movimiento situó nuevamente al hombre y su vida terrenal en el centro de la atención, en lugar de Dios como se hacía en la Edad Media. A los estudiosos de esta época se les llamó humanistas, porque su mayor preocupación consistía en que la humanidad fuera mejor.

Las características del Renacimiento fueron:

1. Crecimiento de las ciudades.
2. Auge comercial debido a los avances técnicos en la navegación y los descubrimientos geográficos.
3. Nueva visión del hombre y el mundo, que permitió el desarrollo del pensamiento científico y la difusión de la cultura.

En general se caracterizó por sus conocimientos universales y por su dedicación a la vida en este mundo.

El período comprendido entre los siglos XV y XVIII se caracteriza por el fenómeno del mecenazgo. Los mecenas eran personas que financiaban las actividades artísticas y culturales. Por lo común poseían un territorio más o menos vasto y propiciaban las artes con el fin de extender su autoridad al ámbito cultural.

Los estudiosos, literatos, filósofos, científicos y artistas trabajaban en las cortes o en el seno de las familias de la nobleza; los músicos, en particular, recibían un salario y se les brindaba más consideración y respeto que en épocas anteriores.

Las composiciones del Renacimiento, casi exclusivamente melódicas, buscaban mantener una unidad armónica. El renacimiento marca el inicio de la música polifónica.

Conjuntamente, en cada país nacieron géneros locales como la "chanson francesa" y la "frottola italiana". Los "madrigales" adquirieron características propias en Italia, Flandes e Inglaterra; en Alemania surgió el "lied", canción de gran emotividad; y en España aparecieron los "villancicos" o cánticos religiosos de inspiración navideña.

En la música sacra destacaron el italiano Giovanni Pierluigi da Palestrina y el español Tomás Luis de Victoria, quienes llevaron a su máximo esplendor la escuela romana a través de grandiosas misas y motetes.

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EL RENACIMIENTO (II)

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CANCION VIVIR MI VIDA. NOTAS CON FLAUTA

1. LA  DO* MI*  FA* LA  DO*  FA*  MI*
2. LA  DO*  MI*  RE*  RE* RE*  DO*  SI  LA
3. LA  DO* MI*  FA* FA*  FA*  RE*  MI*
4. LA  DO*  MI*  RE*  RE* RE*  DO*  SI  LA
5. DO*  DO*  LA  DO*  DO*  LA  DO*  DO*
6. DO*  DO*  LA  DO*  DO*  LA  DO*  DO*  SI
7. LA  LA  SI  DO* SI  LA  SOL  FA
8. DO*  DO*  LA  DO*  DO*  LA  DO*  RE*
9. DO*  DO*  SI  DO*  SI  DO*  SI  DO*
10. SI  DO*  DO*  RE*  MI*  RE*  DO*
11. MI*  RE*  DO*  SI
12. DO*  DO*  SI  DO*  SI  DO*  SI  DO*
13. SI  DO*  DO*  RE*  MI*  RE*  DO*
14. MI*  RE*  DO*  SI  DO*  SI  DO*
15. LA  DO* MI*  FA* LA  DO*  FA*  MI*
16. LA  DO*  MI*  RE*  RE* RE*  DO*  SI  LA
17. LA  DO* MI*  FA* FA*  FA*  RE*  MI*
18. LA  DO*  MI*  RE*  RE* RE*  DO*  SI  LA

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CANCION DE BARNEY. NOTAS CON FLAUTA

1. SOL  SOL  MI  SOL
2. SOL  SOL  MI  SOL
3. LA  SOL  FA  MI  RE  RE  MI  FA
4. MI  FA  SOL  DO  DO  DO
5. DO  RE  MI  FA  SOL
6. SOL  RE  RE  FA  MI  RE  DO
7. LA  LA  FA#  LA
8. LA  LA  FA#  LA
9. SI  LA  SOL  FA#  MI  MI FA#  SOL
10. FA#  SOL  LA  RE  RE  RE  
11. RE  MI  FA#  SOL  LA
12. LA  MI  MI  SOL  FA#  MI  RE

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CANCION LOS POLLITOS. NOTAS CON FLAUTA

1. DO  RE  MI  FA  SOL  SOL
2. LA  DO*  LA  DO*  SOL  SOL
3. FA  SOL  FA  SOL  MI  MI
4. RE  MI  RE  MI  DO  DO
5. DO  RE  MI  FA  SOL  SOL
6. LA  DO*  LA  DO*  SOL  SOL
7. FA  SOL  FA  SOL  MI  MI
8. RE  MI  RE  MI  DO  DO

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CANCION LA CULEBRITA. NOTAS CON FLAUTA

1. RE  MI  FA  MI  RE
2. RE  MI  FA  LA
3. FA  MI  RE
4. RE  MI  FA  MI  RE
5. RE  MI  FA  LA
6. FA  MI  RE

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JINGLE BELLS (FLAUTA)

1. LA  LA  LA
2. LA  LA  LA
3. LA  DO*
4. FA  SOL  LA
5. SIb  SIb  SIb
6. SIb  SIb   LA  LA
7. LA  LA  SOL  SOL
8. LA  SOL
9. DO*
10. LA  LA  LA
11. LA  LA  LA
12. LA  DO*
13. FA  SOL  LA
14. SIb  SIb  SIb
15. SIb  SIb   LA  LA
16. LA  DO*  DO*
17. SIb  SOL  FA
18. DO  DO  DO
19. LA  SOL  FA  DO
20. DO  DO  DO
21. LA  SOL  FA  RE
22. RE  RE  RE
23. Sib  LA  SOL   MI
24. DO*  RE*  DO*
25. SIb  SOL  LA
26. DO  DO  DO
27. LA  SOL  FA  DO
28. DO  DO  DO
29. LA  SOL  FA  RE
30. RE  RE  RE
31. SIb  LA  SOL 
32. DO*  DO*  DO*
33. RE*  DO*  SIb  SOL  FA
34. DO*
35. LA  LA  LA
36. LA  LA  LA
37. LA  DO*
38. FA  SOL  LA
39. SIb  SIb  SIb
40. SIb  SIb   LA  LA
41. LA  LA  SOL  SOL
42. LA  SOL
43. DO*
44. LA  LA  LA
45. LA  LA  LA
46. LA  DO*
47. FA  SOL  LA
48. SIb  SIb  SIb
49. SIb  SIb   LA  LA
50. LA  DO*  DO*
51. SIb  SOL  FA

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YA VIENE EL NIÑITO (FLAUTA)

1. MI  LA  LA  LA
2. SOL  SOL  LA
3. MI  MI  MI  RE  DO
4. MI  LA  LA  LA
5. SOL  SOL  LA
6. MI  MI  MI  RE  DO
7. SI  DO*  RE*  MI*  RE*  DO*
8. SI  DO*  RE*  MI*  RE*  DO*
9. MI  FA  SOL  LA  SOL  FA
10. MI  FA  SOL  LA  SOL  FA
11. MI  LA  LA  LA
12. SOL  SOL  LA
13. MI  MI  MI  RE  DO
14. MI  LA  LA  LA
15. SOL  SOL  LA
16. MI  MI  MI  RE  DO
17. MI  LA

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LOS PECES EN EL RIO (FLAUTA)

1. LA  SI  DO*  DO*  DO*  DO*
2. DO*  DO* DO*  RE*  DO*
3. RE*  DO*
4. SI  SI
5. SI  DO*  RE*  DO*  RE*  DO*
6. SI  SI  LA  SOL#  LA
7. SI  DO*  LA  LA
8. DO*  DO*  DO*
9. DO*  DO* DO*  RE*  DO*
10. RE*  DO*
11. SI  SI
12. SI  DO*  RE*  DO*  RE*  DO*
13. SI  SI  LA  SOL#  LA
14. SI  DO*  LA  LA
15. DO*  DO*  DO*  DO*
16. SI  LA
17. SI  LA  SI  LA  SOL#
18. RE*  RE*  RE*  RE*
19. DO*  SI
20. DO*  SI  DO*  SI
21. LA
22. DO*  DO*  DO*  DO*
23. SI  LA
24. SI  LA  SI  LA  SOL#
25. RE*  RE*  RE*  RE*
26. DO*  SI
27. DO*  SI  DO*  SI
28. LA
29. LA  SI  DO*  DO*  DO*  DO*
30. DO*  DO* DO*  RE*  DO*
31. RE*  DO*
32. SI  SI
33. SI  DO*  RE*  DO*  RE*  DO*
34. SI  SI  LA  SOL#  LA
35. SI  DO*  LA  LA
36. DO*  DO*  DO*
37. DO*  DO* DO*  RE*  DO*
38. RE*  DO*
39. SI  SI
40. SI  DO*  RE*  DO*  RE*  DO*
41. SI  SI  LA  SOL#  LA
42. SI  DO*  LA  LA

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LA LECHUZA (VARIACION)

1. SOL  LA  SI  SOL
2. SOL  LA  SI  SOL
3. SI  DO*  RE*
4. SI  DO*  RE*
5. RE*  RE*  DO*  DO*
6. SI  SOL
7. RE*  RE*  DO*  DO*
8. SI  SOL
9. SOL  LA  SOL
10. SOL  LA  SOL

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EL ROMANTICISMO

 El movimiento romántico, que comenzó en 1770 y finalizó en 1870, marcó un cambio internacional con respecto a la actitud. Fue conocida como la Era de la Revoluciones, ya que incluyó a la Revolución Estadounidense y a la Revolución Francesa. Además, el Romanticismo fue testigo de los comienzos de la revolución industrial, la cual transformó la sociedad de diversas formas.

Pensamiento Intelectual

El Romanticismo le dio gran importancia a la imaginación, en oposición a la era anterior que abogó por la razón. En la era del Romanticismo, las emociones fueron lo más importante. La individualidad fue ampliamente aceptada y esperada. La lectura fue muy popular durante el período romántico y la educación general de los niños mejoró. A principios del siglo XIX, las iglesias comenzaron a educar a los niños pobres. Algunas mujeres administraron escuelas en donde los niños recibían instrucción en la lectura, escritura y matemáticas.

Hogares

Las familias eran más numerosas en el siglo XIX ya que muchas personas intentaban tener la mayor cantidad de hijos posibles, sabiendo incluso que no todos sobrevivirían. Los hombres estaban al mando en el hogar y se esperaba que la familia obedeciese al esposo. Todo era propiedad del esposo, incluso el dinero ganado por él.

Romanticismo Musical

Ludwig van Beethoven. 

Comenzó en Alemania, partiendo de Beethoven y siendo seguido por Carl Maria von Weber en 1786 y Félix Mendelssohn. Es un estilo musical imaginativo y novelesco. Este movimiento afectó a todas las artes y se desarrolló sobre todo en Francia y Alemania. 

La estética del romanticismo se basa en el sentimiento y la emoción. En el romanticismo se cree que la música "pinta" los sentimientos de una manera sobrehumana, que revela al hombre un reino desconocido que nada tiene que ver con el mundo de los sentimientos que le rodea. 

El estilo romántico es el que desarrolla la música programática y el cromatismo de una forma predominante. Se da a lo largo de todo el siglo xix, aunque al principio del siglo xx se entra en el impresionismo.

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EL CLASICISMO

El clasicismo es una corriente de pensamiento estética e intelectual que tuvo su apogeo en los siglos XVIII y XIX, abarcando desde 1730 a 1820, aproximadamente, inspirado en los patrones estéticos y filosóficos de la Grecia Clásica.

Se expresó en todos los dominios del arte, desde la arquitectura y la música hasta la pintura y la literatura. 

Contexto Histórico

Época de la ascensión de la burguesía a amplios sectores del poder político y económico, lo cual tendrá consecuencias en el mundo de la cultura y de la música. En la 2ª mitad del siglo XVIII se van a dar una serie de acontecimientos históricos importantes y reformas sociales que darán lugar a violentos movimientos de masas, destacando entre ellos "La Revolución Francesa" de 1789, hecho que romperá con las monarquías absolutas. El lema revolucionario de "Libertad, Igualdad y Fraternidad" será llevado a todos los contextos, también al de la música.

Características

Se inspira en los modelos de la antigüedad clásica.

Ser racionalista y rechazar lo imaginativo.

Tender a la sencillez y la claridad (mesura, orden y equilibrio).

En música, es considerado el estilo caracterizado por la evolución hacia una música equilibrada entre estructura y melodía.

Su diferencia con la música barroca es que ya no son las mismas figuras musicales, todas rápidas. Franz Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, son sus representantes más destacados. 

Los compositores de esta época buscaron un arte equilibrado y dominado por la lógica. Su música se caracteriza por la elegancia, la naturalidad y una estudiada sencillez. También se caracteriza por el orden y la claridad de las ideas, que genera una simplificación general de estructuras y técnicas.

Joseph Haydn

En la música se suceden cambios en las grandes formas y, así, mientras desaparecen la suite coral, el preludio, el concerto grosso, la fantasía, la antigua cantata, la tocatta y la fuga, aparecen la sonata y la sinfonía, y se mantienen la variación y el oratorio. Se suprimen también el bajo continuo y la armonía compleja. 

La melodía es clara y sencilla y los ritmos no buscan el contraste sino que son regulares y unitarios. Hay un claro predominio de la música instrumental frente a la vocal. 

Amadeo Mozart

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CANCION DE CUNA - JOHANNES BRAHMS

1. MI   MI  SOL
2. MI  MI   SOL
3. MI   SOL   DO*
4. SI   LA   LA   SOL
5. RE   MI   FA
6. RE   MI   FA
7. RE   FA   SI   LA   SOL
8. SI   DO*
9. DO   DO   DO*
10. LA   FA   SOL
11. MI   DO   FA   SOL   LA   SOL
12. DO   DO   DO*
13. LA   FA    SOL
14. MI   DO
15. FA   SOL   FA   MI 
16. RE   DO

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AMIGO FELIX

1. MI   SOL   MI   SOL
2. MI   SOL   MI   SOL
3. MI   SOL   MI
4. MI   SOL   MI    SOL
5. MI   SOL   MI   SOL
6. LA   RE
7. FA   LA   FA   LA
8. FA   LA   FA   LA
9. FA   LA   FA
10. FA   LA   FA   LA
11. FA   LA   FA   LA
12. SI   SOL
13. SOL   SOL   FA   MI    MI
14. MI   FA   SOL   FA   MI   RE   RE
15. LA   LA   SOL   FA   FA
16. FA   SOL  LA   SOL   FA   SOL

Las notas que están con negrita (sol y la) deben llevar el acento.

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ASERRIN - ASERRAN

1. SOL   SOL   DO*
2. SOL   SOL   MI
3. SOL   SOL   LA  SOL
4. LA   SI   DO*
5. SOL   SOL   DO*   DO*
6. SOL   SOL   MI    MI
7. SOL   SOL   LA   SOL
8. LA   SI   DO*   DO*
9. 1 - 4

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CANCION DE FA

1. FA   SOL   LA   LA
2. LA   LA   LA
3. FA   SOL   LA   LA
4. LA   LA   LA
5. LA   SOL   FA   FA
6. FA   FA   FA
7. SOL
8. FA   FA    FA    FA   FA
9. 1 - 7
10. FA

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EL BARROCO

El nombre con el que se bautizó esta corriente cultural fue dado tiempo después por críticos del arte, quienes tomaron la traducción francesa de la palabra de proveniencia portuguesa, joya falsa o perla en forma de r; la cual se utilizó con posterioridad para describir aquellos objetos de exagerada ostentación o de mal gusto.

Este período de revolución artística se manifestó en los campos de la escultura, arquitectura, literatura, arte y música en la mayoría de los países europeos y americanos; no olvidemos que en aquella época América se encontraba recientemente colonizada por los españoles, portugueses e ingleses.

Los motivos del surgimiento de esta nueva manifestación se dieron por varios factores, especialmente relacionados con el mayor exponente de la iglesia católica: el Vaticano. Éste se encontraba bajo duras críticas por parte de diversos sectores que cuestionaban sus actos de corrupción, la reforma protestante estaba haciéndose sentir, cuestionando a la iglesia católica con la existencia de la virginidad de María y la autoridad del Papa, factores que debilitaban profundamente el poder del clero.

Por otro lado, España, Portugal e Inglaterra se encontraban echando raíces en los nuevos países americanos, ganando tierras y extendiéndose hacia el nuevo mundo; dejando a Italia bajo las sombras de la corrupción y el olvido.

Esto generó en el Vaticano una gran reivindicación de la cual surgieron nuevas pautas a la hora de realizar una obra artística, con motivo de generar una suerte de marketing a la iglesia, recordando directa o indirectamente, cuáles eran las bases de la casa de Dios, mediante un control ideológico manifestado por el arte.

Fue así como surgió el refuerzo de la imagen de María y el misterio de la Trinidad como protagonistas de numerosas obras artísticas. Las temáticas de los lienzos ya no fueron sobre alegorías sobre las antiguas mitologías, la ostentación de los santos y paisajes celestiales inalcanzables. Los santos ahora vestían harapos andrajosos, los mártires mostraban expresiones de dolor bajo un acertado dramatismo que emocionaban al espectador, y la imagen de la Sagrada Familia, y en especial, la de María, eran delicadamente glorificadas.

Paralelamente, también nace el arte temático de naturalezas muertas, como bodegones, paisajes, e incluso costumbristas (con solo ver la imagen de Vieja friendo huevos, de Velázquez podremos darnos una idea de lo que esto significaba).Una nueva pauta que se diferenció del renacimiento, fue que ya los rostros de los bellos modelos desaparecieron, dando lugar a expresiones naturales, resultándonos hoy en día hasta un poco chocantes.

Grandes Artistas del Barroco

Este período artístico ha sido testigo de grandes genios del arte. En España, dentro del Barroco se encuentra el famoso Siglo de Oro. Allí se destacan entre los pintores Diego de Velázquez, y Francisco de Zurbarán. En la literatura, se destacan verdaderos genios como Miguel de Cervantes, Luis de Góngora, Francisco de Quevedo, Lope de Vega, Turso de Molina y Calderón de la Barca.

La arquitectura tuvo como su mayor exponente a Gian Lorenzo Bernini, creador de la forma oval de la Plaza de San Pedro, quien además fue un exquisito escultor, autor de la magnífica Fuente del Tritone y de la conmovedora obra “El éxtasis de Santa Teresa”. En la pintura Rembrandt, Rubens, Caravaggio, Van Dyck y el ya mencionado Velázquez.

En cuanto a los puntos técnicos, surge la aparición del claroscuro, un recurso que resaltaba el detalle que tomaría protagonismo en el cuadro mediante el juego de luces y sombras. Los principales embajadores del arte barroco fueron personajes como Caravaggio, Veermer, Rembrandt, Velázquez, Pacheco Rubens y Murillo, entre muchísimos otros que se manifestaron durante este período.

La escultura del barroco

En cuanto a la escultura, se puede decir que siguió las bases del Renacimiento, siguiendo una línea de carácter naturalista, pero a diferencia de éste, la escultura barroca trató de quitarle idealismo a la imagen, convirtiéndola pura y exclusivamente en realidad.

El escultor mas renombrado de esta época fue el napolitano Gian Lorenzo Bernini, creador de la Fuente de los cuatro ríos (ubicada en Piazza Navona,Roma) y colaborador de la famosa escultura Rapto de Proserpina, obras compuestas por cuerpos completamente liberados, que ya no se encuentran en un estado rígido y de pose, sino que muestran un dinamismo intenso, resaltando el movimiento y la acción otorgando mas veracidad y naturaleza a la imagen.

La música en el barroco

En materia musical se destacaron dos figuras de gran importancia histórica: el maestro alemán Johan Sebastian Bach y el veneciano Antonio Lucio Vivaldi, conocido como il prete rosso (el cura rojo) dado a que el músico era sacerdote y pelirrojo.

Es uno de los estilos de la generalmente llamada música clásica o culta europea, antecedido por la música del Renacimiento y seguido por la música del Clasicismo. Caracterizada por la aparición de la tonalidad y el uso del bajo continuo, la barroca fue la época en la que se crearon formas musicales como la sonata, el concierto y la ópera. Entre los músicos del Barroco destacan Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich Händel, Antonio Vivaldi, Domenico Scarlatti, Georg Philipp Telemann, Jean-Baptiste Lully, Arcangelo Corelli, Claudio Monteverdi, Jean-Philippe Rameau y Henry Purcell.

J. S. Bach

Antonio Vivaldi

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